Marco Müller, neo direttore del Festival Internazionale del Film di Roma, in una recente chiacchierata con la nostra esperta di cinema asiatico, Mariagrazia Costantino, ha raccontato l’attuale situazione della cinematografia cinese e i suoi possibili scenari futuri. L'importante è non dimenticare che il cinema è una complessa macchina produttiva che affonda le radici nel cuore della politica e dell’economia.

Il direttore del Festival Internazionale del Film di Roma ci ha parlato dell’attuale situazione del cinema cinese e di possibili scenari futuri alla luce della sua esperienza di direzione di prestigiosi festival (Locarno, Venezia), ma anche in veste di specialista che si adopera per portare film cinesi in Italia e nel mondo, e formare un pubblico consapevole.

Dalla conversazione con Marco Müller sono emerse nuove modalità di conoscenza e approfondimento critico di un sistema in piena espansione, nella fase successiva alla sua affermazione e in un momento di consolidamento ma anche ridiscussione. E soprattutto un momento in cui il mercato del cinema in Cina sta manifestando il suo pieno potenziale.

Il mercato definisce anche, in

 qualche modo, il cinema cinese in sé. Per Müller non esiste più un cinema “cinese”, come d’altra parte non esistono più cinema nazionali. Ormai quella del cinema è una macchina transnazionale che si avvale della cooperazione di gruppi e società provenienti da continenti diversi. In modo anche più evidente di altri settori, quello cinematografico sta mutando, il baricentro si sta inevitabilmente spostando, come si intuisce dalla crescente presenza di attori hollywoodiani non solo nei film cinesi, ma anche nei festival.

Uno dei paradossi è che in questo scenario, la caratteristica – vero e proprio marchio di fabbrica – che sembra resistere intatta e anzi prosperare più che mai è proprio la censura. Se non è facile stabilire cosa, come sia e dove vada il cinema cinese, c’è ancora oggi un gruppo di persone molto influenti che si preoccupa di stabilirlo per noi.

A questo proposito, abbiamo chiesto al direttore spiegazioni circa la scelta di presentare 1942 (Feng Xiaogang) e Drug War (Johnnie To), i film cinesi in concorso alla VII edizione del Festival del Film di Roma, la prima da lui diretta, come film a sorpresa. Ci ha risposto che si è trattato di una scelta obbligata, perché “regista e produttore aspettavano il visto di censura, che per fortuna è arrivato, ma solo a festival iniziato. Abbiamo dunque dovuto annunciarli come ‘film sorpresa’: solo in questo modo, se fossero stati proiettati senza visto di censura, regista e produttore non sarebbero incorsi nella reprimenda dei censori”.

Non rendere noti i titoli ha dunque permesso di aggirare possibili divieti a ridosso della proiezione e ha evitato ulteriori problemi all’organizzazione e ai registi. Ma in realtà nel 2012 ben pochi film hanno passato la censura, per il concomitante XVIII Congresso del Partito Comunista: questo e la nomina del nuovo presidente lo scorso novembre hanno stretto ancora di più le maglie della censura. “Come avviene tutte le volte, quello che si verifica è un rigoroso controllo della rispondenza ai dettami ideologici che il potere centrale prescrive e di conseguenza una strettissima sorveglianza sui temi che un film deve trattare”.

In circostanze come queste qualsiasi tema diventa sensibile, ma la storia del paese o riferimenti ad attività illecite e fenomeni criminali come la corruzione costituiscono certamente argomenti particolarmente spinosi da gestire. 

Circa lo stato del cinema cinese, e il punto fino al quale la censura determina scelte artistiche e creative, Müller fa notare che “in Cina c’è un cinema policentrico che comprende tantissime realtà diverse così come tipi di produzioni. Si va dal film minuscolo completamente autoprodotto e a bassissimo budget alle megaproduzioni di colossal”.

La legge sulla censura non è sostanzialmente cambiata nel paese, ma per capire come viene applicata va innanzitutto messo a fuoco il contesto: “più un film è piccolo meno attirerà l’attenzione delle autorità e quindi potrà essere distribuito attraverso canali ufficiali e non”. Va da sé che una grossa produzione dovrà necessariamente essere passata al vaglio e molte volte respinta: “è in questo frangente che si decide se un film potrà essere fatto vedere in tutto il mondo”.

 

“Temi sensibili, scioperi di lavoratori e agitazioni della popolazione sono inaccettabili, perché il primo obiettivo è quello di intrattenere, far divertire”. Rare volte e in circostanze inaspettate, alcuni film con temi sociali più “impegnativi” riescono a passare attraverso le maglie della censura. Tutto ciò getta luce sull’incongruenza di fondo di un sistema quasi totalmente dipendente dal mercato e dal suo andamento, ma basato anche sulla selezione, un’accurata scrematura di temi accettabili ai fini dell’intrattenimento di massa che il cinema deve assicurare sempre e comunque. E se il mercato come ci è stato raccontato dovrebbe poter garantire maggiore autonomia dai governi centrali tradizionalmente interventisti, anche in questo il sistema cinese rappresenta un’eccezione.

All’inizio mi sfugge ad esempio il motivo per cui un film come 1942 di Feng Xiaogang sia incorso nella censura delle autorità: personalmente lo trovo abbastanza in linea con le linee guida del partito. “Mica tanto”, spiega Müller, “nel film si mostra molta chiaramente come la politica e i suoi esponenti non siano stati capaci di fare fronte ai problemi della gente, primi tra tutti la carestia e l’approvvigionamento di cibo. In poche circostanze un regista ha saputo descrivere così bene e in modo così dettagliato la condizione delle campagne. È difficile che si tratti questo argomento in Cina. Certamente il film ha tanti registri diversi ma c’è una bella intelligenza nel rappresentare la continuità tra i nuovi politici e i vari governi del passato”.

Aldilà del colore delle divise o della collocazione storica, il pubblico cinese sa benissimo che il riferimento è alla classe dirigente, compresa quella attuale.

Se agli occhi del regista e del pubblico cui si rivolge, il clima politico è rimasto più o meno invariato, un altro grosso problema con cui fare i conti è l’evocazione del fantasma della fame, il cui ricordo è ancora tristemente vivo nel paese. “In effetti quello della carestia” – ci dice Müller – “è un problema che ancora oggi non si può e non si osa trattare, anche per via del suo legame con le politiche di gestione delle campagne del governo e per le diverse carestie scatenate dalle riforme che si sono succedute a partire dal 1951”.Una domanda che andrebbe bene per un veggente riguarda le possibili direzioni del cinema cinese. Il direttore del Festival di Roma ribadisce che bisogna partire dalla consapevolezza che il cinema nazionale è un concetto ormai superato. L’unico modo per poter immaginare o prevedere le tendenze dell’industria del Cinema in Cina è guardare al mercato: è quello che determinerà la realizzazione di nuovi film e soprattutto la loro ricezione.

La Cina è diventata un mercato enorme che orienterà sempre più la produzione e circolazione di film: “gli incassi di un film americano sul territorio cinese fra due anni potranno probabilmente addirittura superare gli incassi dello stesso film negli Stati Uniti”, e “Il cinema cinese sarà presto – forse in parte già lo è – anche un cinema di produttori cinesi che produrranno film non cinesi”.
Per molti osservatori il cinema cinese, così come l’arte contemporanea, è stato penalizzato da una percezione univoca che ne ha fatto parlare in molti casi come di un “fenomeno”. Per Müller come si sia manifestata questa percezione non è molto chiaro, ma è certo che “nessuno dei protagonisti della circolazione dei film non

-nazionali e non-americani in Europa si è occupato del cinema cinese finché alcuni dei suoi film non hanno iniziato a prendere riconoscimenti ai festival internazionali di Venezia, Berlino e Cannes, ma un simile risultato ha richiesto un grande sforzo promozionale.

Dalla metà degli anni ottanta ci sono stati dei successi del cinema cinese anche in Italia, pur con grossi rischi e difficoltà di budget. Quello cinese (nel senso di produzione cinese con temi cinesi)” – continua Müller – “è diventato un cinema importante all’estero e questo vuol dire che ci saranno interventi dicapitali stranieri nei film cinesi”. Ma non si può dire lo stesso del cinema asiatico nella Cina continentale. Per questo motivo, e per far sì che possa penetrare in Cina, “si stanno formulando e suggerendo ipotesi concrete di cofinanziamento e coproduzione”.

“Per capire come funziona il mercato cinese si può usare un film come Sanxia Haoren (Still Life) di Jia Zhangke, Leone d'Oro nel 2006, distribuito in Cina dalla Warner. Uno degli aspetti più interessanti è che un film del genere, che tocca vicende tradizionalmente invise alla censura, a fronte di un’uscita limitata nelle sale è stato un successo clamoroso sul fronte homevideo, in un paese dove questo è ancora e soprattutto pirata”. Sul territorio cinese la vera sfida è dunque creare un mercato homevideo che riesca a sfidare l’invasività della pirateria.

Il fatto che fino a venti anni fa o poco più nessuno conoscesse il cinema cinese e che solo a prezzo di grandi sforzi alcuni film siano stati portati all’estero per partecipare ai maggiori festival europei sembra aver innescato un circolo al tempo stesso virtuoso e vizioso, perché se da un lato ha permesso al cinema cinese di trovare un pubblico internazionale, o un pubblico tout court, dall’altro fa sospettare che questi film siano stati realizzati principalmente per un pubblico non-cinese.

Anche per questo motivo quelli che partecipano ai festival diventano in un certo senso film non-cinesi, un altro paradosso mirabilmente esemplificato dal fatto stesso che il film di Jia sia stato distribuito in Cina dalla Warner. Più in generale la risposta di Müller sembra confermare la sensazione che il boom del cinema cinese sia percepito come un fenomeno (e come tale temporaneo), reazione forse derivata da due situazioni concomitanti: una è la necessità di creare un una cornice narrativa che faciliti la “vendita” del prodotto, ovvero abbinare ad esso una storia che lo renda più accattivante; l’altra è un certo scetticismo nei confronti della possibilità del cinema cinese di essere autonomo e autosufficiente. Questa autonomia oggi è garantita dalla forza di un mercato trainato dalla crescita economica.

A fronte di un’“internazionalizzazione” del cinema cinese, il cinema di Hong Kong sembra essersi “sinizzato”. Se infatti non esiste più un cinema nazionale, alcune cinematografie stanno necessariamente perdendo la loro identità o meglio la stanno esportando: è il caso di Hong Kong, i cui maestri, specialmente del cinema d’azione, hanno iniziato a girare nella Cina continentale. A proposito dell’interessante caso, il direttore ricorda che il cinema di Hong Kong è un cinema di eredità sin da subito. Nel 1937, con il trasferimento a Hong Kong delle case di produzione di Shanghai e di tutto l’apparato creativo, l’ex colonia “ha ereditato la possibilità e la capacità di fare film aggirando le vecchie tematiche e gli imperativi della propaganda patriottica e antigiapponese”, sviluppandosi come alternativa che al tempo stesso segna una continuità, con temi e stilemi codificati.

Anche qui non si può fare a meno di parlare di mercato, perché il cinema di Hong Kong non è più autosufficiente come una volta, quando si appoggiava agli incassi e al mercato locale. Resta il prestigio e uno stile inconfondibile, “ma i grossi budget sono ormai elargiti in capitali della Cina popolare e tutti devono passare la censura preventiva di Pechino”. Oggi il cinema di Hong Kong si sinizza perché da lì, dal centro, provengono i grandi finanziamenti, e l’immagine da restituire deve necessariamente corrispondere a quella di partenza. 

Un cineasta come Tsui Hark si è già da tempo abituato a muoversi con una certa agilità tra i tagli imposti dalla censura, diverso è il caso di Johnnie To, regista di culto: di norma “ogni film di Johnnie To (come ogni altro film di registi cinesi di Hong Kong) che viene finanziato, prodotto o coprodotto da una società della Cina continentale, deve passare la censura di quel paese – in quel caso, iniziando dal visto di censura sulla sceneggiatura. A volte, però, Johnnie non ha voluto rischiare di essere bloccato o censurato e ha scelto di non accettare un finanziamento o una coproduzione RPC, accontentandosi del budget che poteva ottenere dai suoi soci di Hong Kong e Macao”.

Tornando al cinema indipendente cinese,  primo amore di Müller, un film come Mister Tree di Han Jie, presentato nel 2011 al London Film Festival, rappresenta per lui la prosecuzione del cinema indipendente. Ma anche Han Jie ha avuto moltissimi problemi con la censura, “il film è stato ritoccato, si è trovato una posizione molto complicata, ha subito tagli e Jia Zhangke in persona è dovuto intervenire per terminarlo”. Lo stesso Jia, che sembra essersi preso una pausa, in realtà non ha mai smesso di lavorare: è solo momentaneamente uscito di scena perché ha iniziato a girare il suo primo colossal – un film di arti marziali.

Infine, ho chiesto al direttore del Festival del Film di Roma il suo parere su Ai Weiwei, un’artista da tempo sulla bocca di tutti, osannato ma anche oggetto di pungenti critiche. Per Müller si tratta di un grandissimo artista, che nel “continente visivo cinese” ha cambiato il modo di guardare. “Probabilmente l’impatto delle sue creazioni salterà fuori anche dentro cinema indipendente e troveremo alcune delle sue scelte radicali anche nel cinema”, infatti “molti dei grandi artisti cinesi sono registi a tutti gli effetti e hanno girato cortometraggi e persino lungometraggi.” Parte del loro percorso artistico include la necessità di registrare la realtà non edulcorata né abbellita nel modo più lineare possibile. Non a caso la tendenza dei cineasti a “documentare” è ancora molto forte all’interno del cinema cinese indipendente.

Abbiamo scoperto grazie a Marco Müller che la definizione stessa di “cinema indipendente” non è impropria e risponde a un’entità reale ed effettiva, ma quello che è emerso dalla conversazione con lui è soprattutto la necessità, oggi più che mai, di spezzare l’incantesimo che grava su un pubblico forse troppo distratto, che non si interroga sull’origine di un film e sul percorso che questo compie, come se si trattasse di visioni che si materializzano dal nulla. Dietro ogni film c’è una complessa macchina produttiva che affonda le radici nel cuore della politica e dell’economia. Una volta conosciute alcune delle infinite ramificazioni che compongono la vita di un film è certamente rassicurante “tornare” sulla poltrona e godersi lo spettacolo, con in più la consapevolezza che quello che si sta guardando è potuto arrivare a noi solo a patto di estenuanti trattative e soluzioni per aggirare divieti, difficoltà di budget e problemi di distribuzione.

Se le parole di Müller sembrano delineare un quadro lievemente incerto, quello che sembra sicuro è che il mercato cinematografico cinese è sempre più maturo. il vero miracolo che il cinema compie è continuare a garantire la comparsa di storie e temi significativi in un contesto generale che rende i compromessi necessari e la censura (che spesso diventa autocensura) ineludibile. D’altra parte più importante della libertà, o del tutto equivalente ad essa, sono oggi i finanziamenti. E se in Italia la censura non opera attraverso le stesse modalità, anche in questo paese i finanziamenti rappresentano il punto critico di un sistema minacciato da un monopolio di poteri politici forti che influenzano le attività culturali in modo consistente.

Mariagrazia Costantino

..vedi anche http://www.china-files.com/it/link/25499/il-cinema-cinese-intervista-a-marco-muller

A quasi un mese dalla prestigiosa Mostra del Cinema di Venezia ecco tutte le anticipazioni e le curiosità sul programma e sugli eventi collaterali che arricchiranno la kermesse, giunta alla sua 69esima edizione, che si terrà, come di consuetudine, nella magnifica cornice del Lido, dal 29 agosto all'8 settembre.

Cominciamo con i due eventi principali, che andranno di pari passo con la programmazione del festival, stiamo parlando della Settimana Internazionale della Critica (SIC) e delle Giornate degli Autori.

27esima Settimana Internazionale della Critica. Il cinema è donna.

Annunciate le novità della 27esima Settimana Italiana della Critica, dal 29 agosto all'8 settembre.

Moltissime le novità di quest'anno tra cui la non facile scelta di 7 opere, tutte rigorosamente in prima visione mondiale. Francesco di Pace, Delegato Generale della commissione selezionatrice, afferma quanto l'impegno sia stato particolarmente gratificante: “La scelta di opere prime è sicuramente una caratteristica molto importante in un festival, non rappresentando qualcosa di facile ma che rende evidente l'alto livello qualitativo del cinema di esordio, realizzato anche con bassi budget”. Il dato rilevante di questa edizione è decisamente riscontrabile nel sovraffollamento di “quote rosa a rappresentanza di un cinema mondiale di qualità, a sottolineare l'urgenza e il coraggio espressivi capaci di superare ostacoli culturali, censure politiche o economiche”, continua Di Pace. Non è un caso che quattro degli otto registi esordienti siano donne, con un nono titolo che si inserisce nella selezione sotto forma di opera collettiva, si tratta di Water, frutto di un progetto dell'Università di Tel Aviv, girato e interpretato da registi e attori israeliani e palestinesi, collage di 7 cortometraggi legati al tema dell'acqua.

La città ideale, esordio alla regia di Luigi Locascio, sarà l'apertura della sezione veneziana, proponendo un lavoro maturo nella tradizione di un cinema di un certo impegno civile che vira verso un giallo morale, non esulando da risvolti originali e misteriosi.

Gli altri titoli sfiorano aspetti sociali e politici, a partire dal turco Kuf di Aly Aidin o il coraggioso Xiao He (Lotus) della cinese Liu Shu, che riprende il tema della dissidenza ad un regime imperante attraverso gli occhi di una giovane insegnante. Un altro personaggio femminile che sconta il coraggio delle proprie scelte progressiste, soprattutto in ambito sessuale, lo ritroveremo nel lavoro del belga Tom Heene, Welcome Home. Sempre la ricerca del sé caratterizza O luna in Thailandia di Paul Negoescu, opera che strizza l'occhio al cinema sentimentale francese pur mantenendo la costante condizione di spaesamento giovanilistico. Sempre dall'Europa arriva Äta sova dö della regista Gabriela Pichler, nel quale l'elemento di disturbo è la crisi economica e la precarietà del lavoro.

Messicano è invece il film che chiude la sezione competitiva, No quiero dormir sola di Natalia Beristain, ritratto amorevole di due donne, nonna e nipote, che si confrontano nelle loro differenti fasi di vita, riuscendo a sfiorare anche il duro tema dell'eutanasia.

Le difficoltà del vivere nella crisi economica, la solitudine individuale, la percezione del proprio corpo, l'amore difficile e spesso impossibile sono i punti cardine su cui ruota l'intera selezione, proprio per questo l'opera scelta a chiusura sembrerebbe oltremodo stravagante. Stiamo parlando di Kiss of the Damned, evento speciale e fuori concorso, della figlia d'arte Xan Cassavetes. La pellicola ci propone un'affascinante ed erotica storia tra due sorelle vampire del Connetticut in un omaggio inequivocabile alla cinematografia italiana di Mario Bava con una forte contaminazione di underground, videoarte e fumetto statunitense.

Il premio del pubblico, del valore di cinquemila euro, è messo in palio dalla casa di produzione Raro Video, che attraverso le parole di Gianluca Curti, fondatore assieme al fratello Stefano, sottolinea l'onore di poter partecipare all'importantissima manifestazione veneziana così vicina quest'anno come non mai “ai concetti di sperimentazione e videoarte sempre presenti nel nostro stile produttivo”.

Le Giornate degli Autori: un equilibrio tra sperimentazione e trasformazione.

Inizia infatti il 30 agosto, per poi terminare l'8 settembre, la nona edizione delle Giornate degli Autori/ Venice Days 2012, sezione parallela e ormai consueta della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, sotto l'immancabile direzione di Giorgio Gosetti.

Tre i segni distintivi: lo sguardo femminile della creatività con il progetto Women's Tales, che occuperà i primi tre giorni della rassegna attraverso singolari ritratti femminili, tra i quali spicca la riproposizione Meshes of the Afternoon (1943) della tedesca Maya Deren, opera ai primordi della sperimentalità, fonte di ispirazione per celebri contemporanei; l'irruzione del Cinema Corsaro, selezione autonoma di opere d'autore, innovative e d'avanguardia tra cui affiorano i nomi di Corso Salani, Enrico Ghezzi, Ugo Gregoretti, solo per citarne alcuni, proposta nello spazio della Pagoda al Lido dal 2 al 6 settembre; la riflessione sul Cinema degli anni Zero, dialogo a più voci che si svolgerà nei giorni 5 e 6 settembre.

“Il senso di una rassegna autonoma a fianco della Mostra – dice Giorgio Gosetti – non può essere solo nella qualità dei film presentati. Ciò che spiega un programma è la sua articolazione complessiva, la forza di una proposta quest'anno fortemente caratterizzata e varia nei temi come nei linguaggi.” Secondo Roberto Barzanti, Presidente della rassegna, “Le giornate hanno acquisito da tempo uno status e una credibilità che ci rende orgogliosi, ma questo non sarebbe stato possibile senza l'impegno congiunto di istituzioni pubbliche e finanziatori privati, i reali partner di un'idea complessiva”. A testimonianza di ciò arriva il Premio Lux, sostenuto dal Parlamento Europeo che decide di insignire, proprio in questa occasione, uno dei tre finalisti fra Csak a szél (Just the Wind) dell'ungherese Bence Fliegauf, Io sono Li di Andrea Segre e Tabu del portoghese Miguel Gomes. Affiancato a tale premio si inserisce il progetto 27 volte cinema rivoto a 27 giovani cineasti di tutti i Paesi dell'Unione Europea. La selezione di questa edizione si mostra vasta, ricercata e ricca di nomi celebri che affiancano quelli degli esordienti, con uno sguardo particolare alle produzioni italiane. 30 le opere in anteprima mondiale, di cui 10 della selezione ufficiale: Heritage di Hiam Abbas, Queen of Montreuil della francese Solveig Anspach, Keep Smiling di Rusudan Chkonia, Blondie di Jesper Ganslandt, The Weight di Jeon Kyu-hwan, Hayuta Ve Berl (Epilogue) di Amir Manor, Il Gemello di Vincenzo Marra, Stories We Tell di Sarah Polley, Acciaio di Stefano Mordini e Kinshasa Kids di Marc-Henri Wajnberg. Gli Eventi Speciali arricchiranno il programma, con una serie di ritratti artistici sempre nella chiave della sperimentazione, accanto ai quali si posiziona 6 sull'autobus, progetto collettivo dell'Accademia Silvio D'Amico. Le Venice Nights, tutte al sapore italiano, saranno da corollario serale alle intense giornate di proiezione.

La commistione nella trasformazione dei linguaggi, che appaiono sempre più inclassificabili e sorprendenti, è il fil rouge che accompagna la manifestazione, dove troverà spazio anche la musica ad invadere le sale e la Casa degli Autori con artisti provenienti da tutto il mondo.

La 69esima Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia sembra ruotare attorno a due concetti chiave: novità e rinnovamento. È quello che si propongono Paolo Baratta, Presidente della Biennale di Venezia, e Alberto Barbera, Direttore del Festival, assente in questa veste dal 2000.

Il rinnovamento sarà su due piani: il primo quello delle stutture fisiche che ospiteranno la Mostra (il rinnovo completo delle sale Pasinetti e Zorzi, lo spostamento della Sala Volpi dentro il Casinò, il recupero-ripristino del Foyer della Sala Grande, insieme al rienterro della voragine a cielo aperto che lo scorso anno ingombrava e restringeva spazio e movimento esterno) e il secondo andrà ad incidere proprio sulla formulazione di un nuovo assetto interno alle sezioni (abolimento di Controcampo Italiano, perchè vissuto come una "terra di indiani, una sorta di ghettizzazione del cinema" e introduzione di 80!, una retrospettiva su rarità filmiche dell’Archivio Storico della Biennale per festeggiare gli ottant’anni dalla nascita del Festival. Oltre alle classiche sezioni parallele e autonome della Settimana internazionale della Critica e delle Giornate degli Autori, e alle novità appena annunciate ritroviamo la classica competitiva Venezia 69, Orizzonti e Fuori Concorso.

Altra novità di questa edizione è data dall'introduzione del Film Market, appendice più strettamente operativa rispetto alla confermata Industry Office, che darà agli addetti al settore anche la possibilità di uno scambio vitale alla circolazione successiva delle pellicole.

Il forte spirito di rinnovamento del resto lo si percepisce dalla siglia introduttiva della manifestazione, interamente affidata al talento visionario di Simone Massi "animatore-illustratore resistente-indipendente", reduce da una personale ad Arcipelago, dall'attribuzione del David al miglior cortometraggio e da numerosi altri riconoscimenti.

Delle grandi prospettive si scorgono inevitabilmente nel programma competitivo, fatto di 18 titoli di cui uno a sopresa fino alla fine, tutti di grandissimi cineasti. Accanto ai grandi autori e ai registi consolidati (Assayas, Bellocchio, Kim Duk-kim, Kitano, Malick, De Palma, Ciprì tra quelli in concorso; Gitai, Spike Lee, De Oliveira, Bier, Demme, Cavani tra i fuori concorso, Wakamatsu e Tsai Ming Liang in Orizzonti), sono presenti anche autori ancora troppo sconosciuti come Haifaa Al Mansour, prima donna regista in Arabia Saudita, fino a pochissimi

 anni fa fondamentalista anche nel cinema oppure Min Bham, autore di Bansulli, primo corto mai realizzato in Nepal. I paesi che rientrano nella programmazione sono ben 51, tra europei ed extracontinentali confermando che, se da un lato il cinema è in crisi, dall’altro è in fermento in luoghi ancora ‘vergini’ creativamente e nel consumo come Guatemala, Indonesia o Malesia.

Un importante senso di uscire dai confini, soprattutto fisici, ci è dato dall'introduzione di Orizzonti Festivalscope, piattaforma online interamente dedicata alla sezione di Orizzonti, in cui sarà possibile assistere in streaming, in contemporanea con l'uscita ufficiale in sala, alla maggior parte dei film della sezione, acquistando un biglietto del costo di 4 euro.

Tema principale di quest'anno che rispecchia il must sociopolitico degli ultimi anni è la crisi, nelle sue svariate sfaccettature contemporanee: economica, di valori, di rapporti, politica, al quale fa da rimando il fondamentalismo, anch’esso stratificato nel senso e nel significato.

Tutti i film della selezione ufficiale sono prime mondiali con la sola eccezione di Penance di Kiyoshi Kurosawa della durata di 5 ore perché è nato da un progetto di un più lungo serial televisivo trasmesso in prima visione solo in Giappone: un horror che il regista ha montato esclusivamente per l'evento in una versione 

cinematografica. L'apertura è affidata ad una doppia proiezione: l’ultimo film di Mira Nair fuori concorso, The Reluctant Fundamentalist, che affronta la difficile tematica del fondamentalismo e un documentario musicale di Jonathan Demme sul musicista partenopeo Enzo Avitabile . Chiuderà invece il festival L’homme qui rit di Jean Pierre Ameris, trasposizione cinematografica del romanzo di Hugo.

Tra i molti film americani e le co-produzioni francesi da segnalare Passion di Brian De Palma, girato interamente a Berlino, Spike Lee con un documentario su Micheal Jackson, Terrence Malick e la presenza di Robert Redford. Le star saranno moltissime: Ben Affleck, James Franco, Gerard Depardieu, Nick Nolte, Dennis Quaid, Stanley Tucci, Selena Gomez, Naomi Rapace, Winona Ryder, solo per fare alcuni nomi. Il leone d'oro alla carriera è stato attribuito a Francesco Rosi, che dall'alto dei suoi quasi 90 anni può essere a tutti gli effetti considerato autore simbolo e innovatore del cinema italiano di impegno civile, con film quali Le mani sulla città, Leone d’oro alla Mostra di Venezia nel 1963, Il caso Mattei, Palma d’oro a Cannes nel 1972, e Salvatore Giuliano, Orso d’argento a Berlino nel 1961.

a seguire tutti i titoli della Mostra:

Sezione Competitiva Venezia 69

Après Mai di Olivier Assayas (Francia) 
At Any Price di Ramin Bahrani (Usa, Gran Bretagna) 
Bella Addormentata di Marco Bellocchio (Italia) 
La Cinquième Saison di Peter Brosens e Jessica Woodworth (Belgio, Paesi Bassi, Francia) 
Lemale Et Ha'chalal(Fill The Void) di Rama Burshtein (Israele) 
E' Stato Il Figlio di Daniele Ciprì (Italia) 
Un Giorno Speciale di Francesca Comencini (Italia)

Passion di Brian De Palma (Francia, Germania)

Superstar di Xavier Giannoli (Francia, Belgio) 
Pieta di Kim Ki-Duk (Corea del Sud) 
Outrage Beyond di Takeshi Kitano (Giappone) 
Spring Breakers di Harmony Korine (Usa) 
To The Wonder di Terrence Malick (Usa) 
Sinapupunan (Thy Womb) di Brillante Mendoza (Filippine) 
Linhas de Wellington di Valeria Sarmiento (Portogallo, Francia) 
Paradies: Glaube (Paradise: Faith) di Ulrich Seidl (Austria, Francia, Germania) 
Izmena (Betrayal) di Kirill Serebrennikov (Russia) 

Orizzonti: 

Wadjda di Haifaa Al Mansour (Arabia Saudita, Germania) 
Khanéh Pedari (The Paternal House) di Kianoosh Ayari (Iran) 
Ja Tozhe Hochu (I Also Want It) di Alexey Balabanov (Russia) 
Gli Equilibristi di Ivano De Matteo (Italia) 
L'Intervallo di Leonardo Di Costanzo (Italia, Svizzera, Germania) 
El Sheita Elli Fat (Winter Of Discontent) di Ibrahim El Batout (Egitto) 
Tango Libre di Frédéric Fonteyne (Belgio, Francia, Lussemburgo) 
Menatek Ha-Maim (The Cutoff Man) di Idan Hubel (Israele) 
Gaosu Tamen, Wo Cheng Baihe Qu Le (Fly With The Crane) di Ruijun Li (Cina) 
Kapringen (A Hijacking) di Tobias Lindholm (Danimarca) 
Leones di Jazmin Lopez (Argentina, Francia, Paesi Bassi) 
Bellas Mariposas di Salvatore Mereu (Italia) 
Low Tide di Roberto Minervini (Usa, Italia, Belgio) 
Boxing Day di Bernard Rose (Gran Bretagna, Usa) 
Yema di Djamila Sahraoui (Algeria, Francia) 
Araf (Araf - Somewhere In Between) di Yesim Ustaoglu (Turchia, Francia, Germania) 
Sennen No Yuraku (The Millennial Rapture) di Koji Wakamatsu (Giappone) 
San Zi Mei (Three Sisters) di Bing Wang (Francia, Hong Kong-Cina) 


Fuori Concorso: 

The Reclutant Fundamentalist di Mira Nair – film d’apertura del Festival (India, Pakistan, Usa) 
L’homme qui rit di Jean-Pierre Ameris (Francia, Repubblica Ceca) 
Anton Tut Ryadom (Anton’s Right Here) di Lyubov Arkus (Russia) 
Den Skaldede Frisor (Love Is All You Need) di Susanne Bier (Danimarca, Svezia) 
Cherchez Hortense di Pascal Bonitzer (Francia) 
Ya Man Aach (It Was Better Tomorrow) di Hinde Boujemaa (Tunisia) 
Sur un fil… di Simon Brook (Francia, Italia) 
Enzo Avitabile Music Life di Jonathan Demme (Italia, Usa) 
Lullaby To My Father di Amos Gitai (Israele, Francia, Svizzera) 
Shokuzai (Penance) di Kiyoshi Kurosawa (Giappone) 
Bad 25 di Spike Lee (Usa) 
Witness: Libya di Michael Mann (Usa) 
Medici con L’Africa di Carlo Mazzacurati (Italia) 
O Gebo e A Sombra di Manoel De Oliveira (Portogallo, Francia) 
The Company You Keep di Robert Redford (Usa) 
Shark (Bait 3D) di Kimble Rendall (Australia, Singapore, Cina) 
Disconnect di Henry-Alex Rubin (Usa) 
La Nave Dolce di Daniele Vicari (Italia, Albania) 
The Iceman di Ariel Vromen (Usa) 

maggiori approfondimenti all'indirizzo http://www.labiennale.org/it/cinema/mostra-69/film/

Chiara Nucera